Дарья Моргачева

50
 

Дарья Моргачева

Художник

Творческое видение — это своеобразный нерв, который дан далеко не всем

Особенный взгляд на мир, этот чувствительный нерв, который есть у каждого настоящего художника — это дар. Его нельзя развить, нельзя наработать. Это подарок судьбы или её рок, который дан от рождения. Если тебе выпала честь или участь нести эту ношу — будь готов идти до конца, вкладывая все свои духовные и физические силы в своего «ребенка». Творчество — это ребенок, и ты, как хороший родитель, обязан поставить его на ноги и с достоинством отпустить в жизнь!

Будучи еще совсем маленьким ребенком, я почувствовала в себе эту силу: поняла, что у меня есть особое видение этого мира. Как будто мои глаза имели способность преображать серую реальность. Я помню, как подходила к отцу, спрашивала его, видит ли он вокруг все то, что вижу я? Красота в самых простых вещах повседневности, в деталях, в атмосфере, в карте звездного неба над моей кроватью — отец просто улыбался. Взрослея, это чувство только усиливалось: поступающая в меня информация – звук, свет, цвет, и, конечно, люди, которые окружали, давали мощные толчки к развитию и обогащали мой чувственный опыт. Мне вообще всегда везло на людей. Да. Дальше эта Вселенная чувственных образов только множилась, постоянно открывались новые «миры» и меня разрывало желание делиться этим видением с миром, но я никак не могла найти подходящий инструмент для этого.

А потом началась взрослая жизнь. Она, как известно, непростая штука и приходит к тебе внезапно. Ты остаешься с ней наедине, и в этом поединке лишь один победитель. Я поступила в архитектуру, мой перфекционизм не давал мне учиться плохо, но пройти до конца этот шестилетний путь, состоящий из чертежей и рапидографов не удалось. Настал момент, когда нужно было зарабатывать материальные земные деньги здесь и сейчас. Мой первый жизненный нокаут, естественно не в мою пользу. Покинув институт, я долгое время болталась совершенно в нетворческих кругах, но постепенно все начало вставать на свои места. Начало получаться зарабатывать еще на тот момент совсем скудной графикой, дизайном и оформлением, но это все было не то — не я. Циклично приходили новые знания и опыт, но, несмотря на это, я так и не могла найти инструмент, который бы помог мне выразить то, что я чувствовала с самого начала. Моя волшебная палочка. Просто было не время. Иногда нужно просто ждать. Нужно уметь это делать. Крайне полезная штука. Это как с настоящей любовью, её не ищут – она сама тебя находит. Приходит как будто бы случайно в самый неожиданный момент, и ты просто принимаешь её как подарок.

И у меня что-то подобное. Как-то настал момент, когда я стала ощущать себя предельно тесно: огромное количество невыраженных идей мощно давили на подкорку. Нет, я много работала на всевозможные субстанции, могу сказать, что даже неплохо, но мне нужен был мой ключ, чтобы открыть МОЮ художественную дверь ибо за ней все уже начинало покрываться паутиной – мой духовный мир, который нужно было трансформировать в реальность. Это постоянное ощущение недосказанности угнетало. Я – не я. Я художник, но я себе не нравлюсь. Хорошо помню этот момент: близился день рождения моего сердечного друга. Не успевала купить всю эту праздничную атрибутику, поэтому решила смастерить все сама. Вырезала из куска черной бумаги квадрат, написала на нем белой ручкой послание, обрамив это все в незатейливую иллюстрацию. Хорошо помню, как мой друг сказал мне, что, черт возьми, кажется это маленькая часть начала чего-то абсолютно нового. И понеслось. Моё имя незатейливо сократилось до двух последних букв и получилось стройное .ЬЯ. Мой символ полузакрытой тайны. Если Вы не знаете меня, то знаете только две этих буквы, а если хотите узнать поближе – знакомьтесь, меня зовут Дарья, и я покажу Вам свой удивительный мир искусства. Искусства графических символов.

Чтобы быть оригинальным и выражать свои идеи, не нужно копировать чужие ценности

Как только я нашла свой инструмент, свой стиль, я сразу же создала для себя некую информационную изоляцию: перестала следить за тенденциями в искусстве, смотреть работы других художников. Это помогло максимально прочувствовать свои идеи и начать их выражать. Несколько лет я работала в полном незнании, что происходит в мире искусства, а когда все-таки посмотрела за выстроенные «стены» была очень удивлена. Мой стиль оказался достаточно уникальным. Я постоянно это слышу. Если учесть, что я не преследовала цели выделиться, цель была в реализации – то это оказалось приятным бонусом к стремительно развивающемуся пути. Я просто не мешала реализоваться тому, что естественным образом проявлялось через меня. Очень важно в моменты становления контролировать информацию, которая может повлиять на твое формирование как отдельной творческой единицы. И самое главное — не подражать, не копировать. Закрой себя, не выходи из комнаты, как Бродский, и работай. Останься наедине с самим собой – именно так рождается художественная истина.

Я стремлюсь «За Ноль»

Я никогда не вдохновлялась современниками, но всегда ценила прошлое. У меня есть несколько Муз — творцы начала прошлого века.

Я очень люблю творчество Михаила Александровича Врубеля. Его мистический символизм совершенно не вписывался в канонический строй его времени, но, как стало ясно чуть позже, предельно ярко отражал дух этого времени. Михаил Александрович жил на стыке двух эпох и событий, связанных с ними во всеобъемлющих масштабах. Эти пасмурные и тяжелые настроения отчетливо выразились в его работах томно прикрытых вуалью мрачности и символизма.

Люблю символизм, вот как он есть. Люблю, когда мысли кодируются, когда искусство несет скрытую информацию и его нужно разгадывать. Нет, я безусловно уважаю классиков, но бесконечные полотна с дорогими дамами и виноградом изрядно изматывают скукой при долгом просмотре.

Язык — это полное описание всего, что есть в мире, то есть всех фактов и событий. Но иногда лучше не пытаться найти название некоторым вещам и не стремиться дать объяснение ощущениям. Иногда букв и слов мало. Эмоциональный нерастраченный сгусток внутри — это живые мы. Впечатлённые и наполненные своей невыговоренностью. Вот это и есть искусство. Через самые скрытые материи, запечатленное тайной конфигурацией.

А еще всегда говорила и буду говорить: искусство от слова искусно. Искусно выполненная работа с вложенным в нее глубоким смыслом – вот тот самый Святой Грааль. Кажется, Врубель его в свое время сотворил своими руками— наполнено, искусно и интеллектуально.

Так же меня очень вдохновляют Казимир Малевич и Александр Родченко прежде всего тем, что они сумели убедить людей в силе и значимости того, что они делали. С точки зрения передачи своих идей — они непревзойденные гении. Главный лозунг на выставке Малевича, на которой он представил «Черный Квадрат», звучал как “Шагнуть за Ноль” Что это значит? Это значит выход за пределы классического искусства в новую плоскость, где привычные нам категории и оценки уже не работают. Он взял конкретный инструмент — черный цвет — и смог передать этим информацию, и более того, совершить революцию не только в искусстве, но и в философии, в человеческой мысли. Все, что было нарисовано до этого — лишь подражание природе, ремесло, копирование окружающего мира. Только в цвете и в формах, не имеющих отношения к природе, заключается истинное творчество, как утверждал Каземир Северинович, делая «выход за ноль».

Меня часто спрашивают, почему я в своих работах рисую Луну. Вероятно, это такая неосознанная дань уважения Александру Михайловичу Родченко. Когда я впервые попала в Русский музей, меня буквально притянуло к его картине, на которой изображен полумесяц. В работе, на первый взгляд, нет ничего необычного – простой полумесяц, написанный на небольшом холсте и обрамленный в абстрактные линии. Но я знаю, сколько силы кроется за этой « простой» работой. Знаю и чувствую, какой огромный и интересный путь прошел маэстро, как много он экспериментировал и работал, насколько наполненными были его знания. Он вложил в свою концепцию такое количество сил, что любое его проявление на бумаге, будь это даже простая точка, — является произведением искусства, частью его самого.

Мы так привыкли к приставкам — «быстро», «супер», «экстра» и «мега» и совсем забыли, что такое труд

Сейчас мы живем в мире, где такой стопроцентной отдачи своему делу практически не найти. Все «мегазвезды» «супер-быстро» взлетающие. Сейчас лидерами мнений, к сожалению, становятся в основном те, кто делает свой продукт быстро и в больших количествах, оставаясь на поверхности своего ремесла. Потому что погружение занимает время, а время — деньги.

Я чертовски уважаю людей, которые понимают, что подход в стиле «ню» ведет в никуда, которые развивают свои навыки, не жалея времени и сил. Только такие люди по-настоящему меняют мир. Нужно старательно развивать свои умения и не ждать быстрого результата. В СССР, например, была такая установка: если человек занимается чем-то одним более 10 лет, он становится профессионалом в этом деле. Это правило работает во всем. В искусстве, чтобы выработать свой стиль и найти свой собственный прием выражения, почти всегда нужно изучить базу, чтобы «не изобретать велосипед». Изучение основ занимает годы, это постоянная практика, проходя её, ты показываешь ценность и значимость того, что ты делаешь, становишься в этом мастером. Только когда ты полностью уверен в своих технических навыках, ты готов к настоящему эксперименту. Эксперимент без умений и практики — баловство.

Любое творчество — необходимо

Однажды мне сказали, что любое дело сделанное с умом, чистой совестью и максимальной внутренней отдачей, принесет результат. Да, может быть не сразу и не многим людям, но я верю, любое творчество необходимо! Единственное, что действительно важно — это погружение в процесс без ожидания быстрой оценки и результата. Признание и успех придут по степени накопления знаний, навыков и профессионализма. Но если делать акцент на них с самого начала — это будет очень ограничивать и сбивать тебя с истинной цели.

Эклектика —это единственный путь к новым решениям

Проблема многих людей в искусстве, которая мешает развиваться — отсутствие новых идей. Мы можем годами не создавать ничего, потому что всё, что приходит к нам в голову, в большинстве своем уже сделано. И отчасти согласна с этим, но это не мешает мне действовать. Я вижу выход в эклектике: в постоянном эксперименте и сочетании живописи с фотографией и кинематографом, музыкой и объектами окружающего мира и так далее. Сейчас уникальность художника заключается в том, как мастерски он смешивает в нужных пропорциях то, что уже было сделано до него. И главная его задача, пропустив через себя опыт предыдущих поколений, наделить его своим свежим восприятием и вдохнуть в старые идеи новую жизнь через свое видение.

Художник не должен страдать, чтобы творить — он просто должен быть сильным

Большую роль в моем творческом процессе занимает боль. Я считаю, что любой человек, который связан с искусством в какой-то степени не здоров, но я сейчас не о духовной части, а о физической. Каждая моя работа — это преодоление боли. Моя спина похожа на сломанную лодку, и каждый раз кричит мне SOS при долгом положении «сидя за кульманом». Раньше это меня жутко отвлекало. Это неудобно, это ограничение! Но со временем, когда я прочувствовала ценность своего дела, физическое стало уходить на второй план. Оно как момент в жизни, который ты должен преодолеть и стать сильнее. Когда у тебя это получается, твое искусство становится более ценным: этим ты доказываешь свою любовь, этим ты наделяешь своё творчество значимостью. Я уверена, что гениальность Ницше не была бы столь гениальной, если бы он был здоров, не было бы подсолнухов Ван Гога, если бы он был более вменяемый. Болезнь обостряет мировосприятие и усиливает чувства, но чтобы творить, ты должен быть здоров, а значит побороть болезнь и стать сильнее. Если художник терпит, он закаляет себя, обретает силу. Я не говорю, что каждый художник должен страдать, чтобы создавать. Нет! Это наивные сказки, которые придумали слабые люди! Человек должен быть здоровым и сильным!

Фото, видео и текст: Виталий Акимов

Нравится